En varios hilos hemos sacado a relucir otra de nuestras aficiones, como la música, tanto si es escucharla como crearla. Aquí podríamos hablar de nuestros grupos y artistas favoritos.

En mi caso, para empezar, y aunque tengo muchos favoritos, empezaré hablando por el que es para mí el primero en la lista: Mike Oldfield (Hergest, si lees este hilo te va a gustar, pues tu avatar es el propio Mike Oldfield en la portada del single italiano de "Don Alfonso")

Mike Oldfield nació el 15 de mayo de 1953 en Reading, Berkshire, Inglaterra. En su adolescencia comenzó a actuar profesionalmente por los pubs de su ciudad natal acompañado de su hermana mayor Sally, en el dúo folk llamado Sallyangie, que publicó en 1968 su disco homónimo debut (conocido también por "Children Of The Sun"), publicado por el sello folk Transatlantic. Después de separarse de su hermana se incorporó como bajista y guitarrista a The Whole World, el grupo liderado por Kevin Ayers con quien grabaría varios discos: "Shooting At The Moon", "Whatevershebringswesing" y "The Confessions Of Mr. Dreams". Antes, intentó fructificar en el proyecto del grupo Barefeet junto a su hermano Terry, pero no duró lo suficiente.

Su salida del anonimato vino con su primer disco en solitario, el celebérrimo "Tubular Bells" (1973), Lp que vio la luz gracias a Richard Branson, en esos momentos un pequeño empresario de discos que había creado el sello Virgin Records. La jugada de Branson resultó óptima para ambos, pues el álbum convirtió a Oldfield en una estrella de la música a la temprana edad de 19 años y a su avispado mentor en multimillonario. El megaéxito de este disco instrumental precursor de la New Age (aunque tengo que decir que no lo considero tal, lo veo más como rock sinfónico) vino ayudado también por la utilización de su música como banda sonora de la conocida película de terror de William Friedkin "El exorcista".

"Hergest Ridge" (1974), el siguiente trabajo de Mike Oldfield, lo tenía difícil para conseguir el renombre de "Tubular Bells" y aunque no consiguió las
multitudinarias ventas de éste, también logró llegar hasta el número 1 en Inglaterra. "Ommadawn" (1975) sería el último album antes de que Oldfield se otorgara un pequeño descanso mientras el punk triunfaba en la escena musical británica. Entre medias, saldrían publicados dos álbumes: la versión orquestal del "Tubular Bells" a cargo de David Bedford con el propio Mike a la guitarra y la recopilación "Boxed" (1976) con las remezclas de sus tres grandes trabajos, más un cuarto LP con colaboraciones con amigos como el citado Bedford y el músico Les Penning. En 1978 retornaría con su majestuoso doble LP "Incantations" (1978), al que seguiría "Platinum" (1979), Lp en el que introducía elementos con sonidos discotequeros, más sobresaliente en el tema "Punkadiddle" el cual parodiaba el movimiento punk ya en boga en aquel tiempo. En esas fechas se editaría el doble LP "Exposed" que reune el repertorio de su gira europea.

Con el cambio de decenio su estilo fue derivando más hacia el pop comercial en discos bien recibidos por su público como:
- "Q. E.2" (1980) (Phil Collins colaboraría en dos temas del disco, a la batería),
- "Five Miles out" (1982) - álbum que contenía el single "Family Man", luego versionado con éxito por el duo Hall y Oates.
- "Crises" (1983) - disco que incluía el espléndido tema "Moonlight Shadow" interpretado por Maggie Reilly y "Shadow On The Wall" con el miembro de Family, Roger Chapman.
- "Discovery" (1984) - con sus éxitos "To France" y "Tricks Of The Light" e
- "Islands" (1987), album en el que colaboraron su antiguo compañero Kevin Ayers (canción "Flying Start") y la famosa vocalista Bonnie Tyler en el tema homónimo del disco.

También compondría por esa época la banda sonora de "Los gritos del silencio" (1984). Después de "Earth Moving" (1989), y su increible instrumental "Amarok" (1990) su relación con Virgin acabaría con su mediocre "Heaven's Open" (1991). La recreación de sus inicios con "Tubular Bells II" (1992) y "Tubular Bells III" (1998) provocaron de nuevo grandes ventas comerciales pero su contenido no era más que un trabajo fácilón con escasas variantes del inicial. Entre ambos discos salieron publicados su tributo al gran escritor de ciencia-ficción Arthur C. Clarke con la recreación de sus obras en el LP "The Songs Of Distant Earth" (1994) y su vuelta a las raices folk con "Voyager" (1996), el cual llegó a ser nominado a los Grammy como mejor álbum instrumental de New Age, en competencia con Vangelis y Michael Hedges (ganó Hedges, a título póstumo).

Sus últimos trabajos son "Guitars" (1999) y "The Millennium Bell" (1999), a los que segurían álbumes cercanos al "chill-out": "Tr3s Lunas", la regrabación del "Tubular Bells" (2003), "Light And Shade" (2005) y su inminente álbum de corte orquestal "Music Of The Spheres" (2008).

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Otro de mis músicos favoritos es Franco Battiato: http://www.battiato.it/ (Web oficial)



En esta web, podéis encontrar una amplia información en castellano sobre su biografía y discografía: http://www.battiatoweb.com/

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Otro favorito dentro de mis gustos musicales es el grupo alemán Tangerine Dream, un grande de la música cósmica electrónica.

Foto años 70
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Tangerine Dream es una banda alemana de música electrónica perteneciente a la escena Kraut Rock, fundada en 1967 por Edgar Froese. Fue pionera del ambient, del space rock, del uso de secuenciadores y de la música new age. El batería Klaus Schulze fue miembro de la agrupación en sus inicios, y desde que la abandonó la banda atravesó una gran cantidad de cambios de alineación, pero la más importante fue la de mediados de los años 1970, compuesta por Froese (quien se convertiría en el único miembro en aparecer en todas las alineaciones), Christopher Franke y Peter Baumann, con la cual editaron algunos de sus álbumes más importantes como "Phaedra" (1974), "Stratosfear" (1976), "Rubycon" (1975) y especialmente los directos "Ricochet" (1975) y "Encore" (1977) . En los años 1980 Johannes Schmoelling reemplazó a Baumann, y esta alineación también fue importante y estable. La banda obtuvo gran parte de su reconocimiento gracias a las bandas sonoras que grabaron para películas como "Sorcerer" (1977) y "Risky Business".

La música de Tangerine Dream es instrumental (con algunas excepciones como el álbum Cyclone), usualmente basada en el uso de sintetizadores y secuenciadores, y con un sonido "cósmico" o cercano al new age. Muy pocos de sus álbumes no fueron puramente instrumentales. Entre ellos se encuentran Cyclone (1978) y "Tyger" (1987) (este último tenía poemas de William Blake recitados sobre la música), que se encontraron con el rechazo por parte de los seguidores. Aunque hubo una presencia ocasional de voces en otros de sus LPs, como la pista "Kiew Mission" de su álbum de 1981 "Exit", el grupo solo volvió a tener vocalista en los últimos años, en una trilogía musical (aún no completada) basada en "La Divina Comedia" de Dante.

Quizá su música me haya influenciado bastante a la hora de explorar mi propio estilo musical. Por eso, varias de mis maquetas están basadas en su forma de hacer música, sobre todo "Brain Damage", que podéis encontrar en la web de mi revista y en mi blog, al comienzo del todo.

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Conozco el trabajo de Tangerine Dream, aunque no soy muy fan.

El motivo que los conozca es que me gusta mucho el cine de los años 80, y he visto varias películas que tienen banda sonora suya. Creo que el problema que tienen es que se limitan voluntariamente a los sintetizadores y poco más, y eso es perfecto para según qué películas, pero bastante rayante en otras. Me encanta, por ejemplo, su tema para la serie "El halcón callejero", es sencillamente perfecto. Igual que su banda sonora para "Risky Business". Pero tienen otras, como la de "Thief" de Michael Mann que es para matarlos. ¿A quién en su sano juicio se le ocurre musicar una escena de James Caan reventando sigilosamente una caja fuerte con ensordecedoras guitarras eléctricas?

Así que aunque me encanten los sintetizadores prefiero la fórmula del Hans Zimmer de los 80-90 (sintetizadores + toques étnicos: "Black Rain" o incluso "Broken Arrow") o otras parecidas.

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When our work has come assunder
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when we look for something other

Midnight is where the day begins

Tangerine son bastante interesantes... vale, no se puede decir que sean muy variados pero tienen cosas tremendamente preciosistas, por ejemplo Le Parc (el álbum, no sólo la canción). Respecto a Batiatto, lo intento pero es que no me entra. Y Oldfield pues sí ha tenido algunos temas míticos como los del álbum TB (no todos) y algún otro pero últimamente para mi gusto se ha vuelto excesivamente comercial.

Me gustaría decir cuáles son mis músicos favoritos pero son tantos que me es imposible listarlos porque acabaría sin manos... ahora por ejemplo estoy bastante viciado a cosas tan dispares como Recoil, Cass Elliot, Rammstein o Front242... pero hace un mes estaba enganchado al American Idiot de Greenday o a Linkin Park, y hace algo más a Los Planetas o a The Prodigy. Sinceramente, en temas musicales voy y vengo según el ánimo y lo que me pueda interesar...

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"The sore in my soul. The mark in my heart. Her acid reign."

A mi me encanta Tangerine Dream...
Aunque algunos de sus discos más famosos no son muy de mi agrado, como Phaedra o Rubycon, hay otros que considero auténticas obras maestras, como Stratosfear, Optical Race o Mars Polaris.
Por cierto Neil, ¿a quién le toca ahora, a Jarre, Vángelis o Kraftwerk?

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¡Ché, ché... Ché, documentación!
¡Ché, ché, los papeles del camión!
¡¿Que no de qué?!

Yo votaria tambien por Philip Glass.

Uf, si yo os contara... Yo voy poniendo lo que según mi estado de ánimo vaya saliendo. Puede que lo siguiente sea un resumido recorrido por la carrera de Vangelis.

De Philip Glass, tela marinera... minimalismo en su estado puro. De este músico americano, os recomiendo las bandas sonoras de "Las Horas", "Koyaanisqatsi" y, aunque no sea música enteramente suya, la de "El Show de Truman" con el infumable Jim Carrey. Pensaba odiarle (a Carrey) por sus filmes anteriores, pero en esta película está más comedido y actua mejor, tanto o más como en "The Majestic".

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Por mi adelante con Vangelis, soy un enamorado de la música para cine y además demostró seguir en una forma estupenda con el "Alejandro" de Oliver Stone.

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Otro músico intersante de la "quinta" de los Tangerine Dream es Giorgio Moroder. Es tristemente famoso por petardeces como la múscia de "Flashdance" o de la versión internacional de la "La historia interminable", pero tiene al menos dos obras maestras, las músicas de "El expreso de medianoche" y, sobretodo, "El precio del poder", ambas también a base de sintetizador.

Y como muestra...

El precio del poder - Créditos.

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Y ya puestos, no nos olvidemos de Kitaro ni de Isao Tomita

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¡Ché, ché, los papeles del camión!
¡¿Que no de qué?!

Ya que citas a músicos del oriente próximo, no voy a olvidar citar a Himekami. Aun usando sintetizadores, se mueve dentro de la onda "new age", casi igual que Kitaro.

Himekami, nombre artístico de Yoshiaki Hoshi, simboliza la diosa emergente o principio femenino. Himekami ha contado con diversos músicos colaboradores, incluido Yas-Kaz, a lo largo de su carrera, pero en esencia lo compone el matrimonio Hoshi. Los Hoshi viven en Tohoku, la zona más pristina del Japón, la que menos desarrollo industrial ha experimentado.

Yoshiaki Hoshi nació en 1946. En 1971, obtuvo el primer premio del concurso nacional de órgano electrónico. Muy pronto se convirtió en un verdadero maestro de instrumentos de teclado, y adaptó un sintetizador con mayores posibilidades en cuanto a fuentes sonoras y matices tonales. Himekami, considerado como “prinicipal folklorista de alta tecnología del Japón”, tiene editados una veintena de álbumes y compone profusamente para bandas sonoras de cine y televisión. Es uno de los artistas más célebres de su país e igualmente ha sido muy bien acogido en todo el mundo.

La característica principal de la música de Himekami es que no decanta clamarente ni hacia lo melódico ni hacia los aspectos sonoros: ambas cosas se compaginan de manera ideal, es una música que va desde lo pacifico y lo introspectivo a lo liviano y juguetón. Sus composiciones parecen, a veces, pequeñas sinfonías de cinco minutos que logran expresar, en tan breve tiempo, toda una gama de emociones. “Nuestra labor como músicos - ha dicho Yoshiaki Hoshi - es crear sonidos que expresen nuestras emociones y nuestro corazón.”
(C) Galileo-MC

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No sé cómo podéis nombrar a tanto músico new-age oriental y dejaros a Missa Johnouchi. Grrrr...

A mí es que no me suelen gustar la new age ni las bandas sonoras, ni la tendencia en usar new age para las bandas sonoras que se puso tan de moda. Sin embargo, me gusta mucho el Klautrock y la música de Neu! o Kraftwerk en los 70.

Moroder mola, pero prefiero el disco que hicieron Sparks con él como productor, el genial "No. One In Heaven" de 1979. Y para muestra, un botón, y mejor dos

Hablando de Sparks, últimamente están de revival y los dos últimos discos son una maravilla. Aquí tenéis dos muestras, una de cada disco:

I married myself (de "Lil' Beethoven")
Perfume (de "Hello Young Lovers")

Me encanta este grupo. Cada disco es de un estilo diametralmente opuesto al anterior

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http://www.mojontwins.com

Ni lo he oido en mi vida. Tendré que ponerme al dia a ver qué tal.

Después de hablar sobre Vangelis (cuando toque), daré un giro de 245 grados para hablar de uno de mis grupos favoritos de rock progresivo: Premiata Forneria Marconi.

Una muestra:

Celebration (E'Festa): http://www.goear.com/listen.php?v=117777b
Four Holes In The Ground: http://www.goear.com/listen.php?v=6c65b51 (parte de este tema se usó en un antiquísimo programa de radio que no recuerdo)



De Krautrock tengo desde Amon Düül, pasando por Can, SBB, Eloy y algunos más. La variedad ante todo, como en un buen restaurante.

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¡Cachis! Bueno, aquí tienes unos cuantos temas. No son de mis preferidos, pero te haces a la idea de cómo suena lo que produce esta compositora japonesa. http://www.soundclick.com/bands/default ... tent=music

El duelo entre ordenador/vecina con violoncelo de "Electric Dreams" , me parece de lo más interesante y friki que hizo, hablando de la epoca cinematográfica estilo Flashdance . Incluyendo la etapa de Sigue Sigue Sputnik , donde tambien metió mano.

Ya que hablábamos de Tangerine Dream, he incluido en mi blog un videoclip de lo más llamativo de su época más floreciente.

http://neilparsons.blogspot.com/2008/02 ... -clip.html

Junto al archivo, he escrito una breve reseña a su biografía, para que os hagáis una idea de cómo trabajan.

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Bueno, pues por si alguien del foro todavía no lo sabía... Josito (kendroock) es Suave!!!

Para mi este grupo de rock nacional de siempre ha sido "mis músicos favoritos", alla por el año noventa y poco (no recuerdo exactamente cuando) escuché en del clasicazo programa de radio "discocross" la canción "tiempo perdido", y me impactó tantisimo la letra que me lié a buscar al grupo por todas partes, hasta que en "la gramola" encontré una cinta de cassette (por aquel entonces no habia tantos adelantos "tesnicos" de esos... ) de segunda mano de ellos... ahí empezó mi andadura como fan de los suaves, y ya son unos cuantos añitos de concierto en concierto...
http://usuarios.lycos.es/kendroockweb/L ... 0suave.htm

Os dejo un enlace a mi página donde hay un par de fotos curiosas con el grupo, y poco mas puedo añadir... salvo el ya clasico...

"¿hay alguien ahí?"

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Un saludo.


Umaaa Curaaaaa!!!!!

Bien, como prometí que haría constar un repaso por la vida y obra de Vangelis, aquí la tenéis por fin.

Evangelos Odyssey Papathanassiou es el nombre completo del compositor más conocido como Vangelis. Vangelis nació el 29 de marzo de 1943 en Grecia. A los cuatro años comenzó a tocar el piano y a los seis ya interpretaba sus propias obras.

En 1968, Vangelis se transladó a París, donde formó un grupo junto a Demis Roussos y Loukas Sideras llamado "Aphrodite's Child". Juntos publicaron cinco discos con un éxito más que aceptable, aunque finalmente el trío se disolvió en 1970. De sus álbumes, "666" tuvo algunos problemas con la discográfica que no quería publicarlo. Y algunas de sus canciones más comerciales fueron éxito en varios paises, entre las que cabrían destacar "Rain And Tears", "I Want To Live", "Babylon", "It's Five O'Clock" y la simpar "Such A Funny Night".

Algunos trabajos en solitario de Vangelis en su época parisina son "Earth" (su primer álbum en solitario), y algunas colaboraciones para el cine francés como “Fair Que Ton Reve Plus Longue Que La Nuit” (1971). Otras grabaciones para películas serían "L'Apocalypse Des Animaux" y "La Fête Sauvage". Aparte, siempre ha preferido no saber nada de dos discos grabados junto con otros músicos de sesión para sellos independientes, incluso intentó prohibir su venta: "The Dragon" e "Hypothesis", dos álbumes muy apreciados por los coleccionistas, si bien distan mucho de la clase de música en la que se embarcaría poco después. Y soy afortunado poseedor de ambos, jejeje...

En 1978, Vangelis se traslada a Londres, donde monta su propio estudio de música y en donde continúa con su talento creativo, ofreciéndonos álbumes como "Heaven and Hell", "Albedo 0.39", "Spiral", "Beaubourg", "China" y "See You Later". También se incluiría dentro de este conjunto de grabaciones, uno bajo el título "Ignacio", publicado en 1976 con resultado dispar en el círculo comercial. (ya sabéis de dónde viene mi afinidad por su música... )

Desde allí realiza colaboraciones con sus antiguos compañeros de "Aphrodite's Child" y con la intérprete Irene Papas. Estas colaboraciones las alterna con la publicación de varios discos junto con Jon Anderson, el vocalista del grupo de rock progresivo, Yes, publicando discos como "Short Stories", "The friends of Mr. Cairo", "Private Collection" y un magnífico recopilatorio titulado "The best of John and Vangelis", publicado en 1984, donde se contiene lo mejor de ambos.

La década de los ochenta la inicia alcanzando su punto cumbre: un Oscar por la tan conocida banda sonora de “Chariots of Fire” (1981). Bandas sonoras de éxito relevante son también: “Blade Runner” (1982) (pero que no se publicaría hasta bastante más tarde, concretamente en 1994, en dónde el tema de los créditos del final de la película, hace realmente brillar a Vangelis), “Missing (Desaparecido)" (1982), “Antarctic” (1983) y “Mutiny on the Bounty" (1984); bandas sonoras cuyos temas principales (junto a otras composiciones) están recogidos en el disco “Themes” publicado en 1989.

Otros discos de esta década son: “Soil Festivities” (1984), “Invisible connections” (1985) obra sinfónica de síntesis incluida dentro del catálogo de la gran discográfica Deutsche Grammophone, “Mask” (1985) obra sinfónico-coral y “Direct” (1988) en el que Vangelis utiliza una nueva técnica a la hora de crear música: componer, arreglar y grabar casi simultáneamente, con lo que así se asegura un máximo de espontaneidad, el resultado, un buen disco con aires futuristas.

Entramos en la década de los noventa y comienza publicando en 1990 “The City” y a continuación la banda sonora de “1492 Conquest of Paradise” (1992), que tuvo gran éxito entre sus seguidores, sobre todo por el tema principal homónimo "Conquest Of Paradise". Luego permaneció inactivo (musicalmente hablando) hasta 1995, año en el que publicó “Voices”, un disco por debajo de la media, en donde destaca el tema que le dá título al disco. A continuación salió a la luz un disco recopilatorio titulado “Portraits” (1996), en dónde se recogen prácticamente todos los éxitos de este músico griego desde sus orígenes hasta la fecha, en un CD aprovechado al máximo y por supuesto recomendado a todos aquellos que no dispongan de sus discos anteriores. Su trabajo más reciente es “Oceanic” (1996), un disco en el que muchos de los ritmos utilizados recuerdan a trabajos anteriores. A pesar de no ser un disco brillante, Vangelis realiza un trabajo correcto, y mantiene una línea muy regular en todo el disco, destacando ligeramente (sobre el resto de las composiciones) los siguientes temas: “Bon voyage”, “Spanish harbour” y “Song of the seas” (tema este último que es su primer single).

En 1998 publica un disco que homenajeaba al gran pintor griego "El Greco", y que contó con la colaboración de Konstantinos Paliatsaras y de Montserrat Caballé.

En el año 2004 crea la banda sonora de la película "Alejandro Magno". Pero anteriormente, en 2001, entre muchas de sus amplias actividades, tuvo a bien realizar la grabación de su disco más clásico "Mythodea":

Mythodea, combinación de las palabras "Mito" y "Oda" (vagamente inspirado en los mitos griegos), es el último álbum editado por Vangelis hasta la fecha y a más de uno le ha dejado como mínimo desconcertado, puesto que el llamado "mago de los sintetizadores" resulta que en este disco apenas hace sonar ninguno. Se trata de una ampulosa "sinfonía coral", como él mismo la describe, que incorpora un coro de 120 personas, la London Metropolitan Orchestra con sus 75 maestros, 25 percusionistas, dos sopranos (las superestrellas Jessye Norman y Kathleen Battle), y por supuesto él y sus sintetizadores que como decimos apenas se hacen notar, si descontamos un oscuro tema introductorio inicial que será mejor escuchar con cascos y que incluye misteriosos efectos de poca monta para lo que el compositor nos tiene acostumbrados.

La obra (música oficial de la misión 2001 Mars Odyssey de la NASA), es en realidad una reedición de un concierto que tuvo lugar el 13 de julio de 1993 en el Herod Atticus de Atenas bajo el nombre casi idéntico de Mythodia pero con dos salvedades: fue compuesta con sintetizadores y las sopranos fueron Lucienne Deval y Markella Hatziano (la voz de "Glorianna", la impresionante aria electrónica del álbum Direct). Según comenta el propio autor en entrevistas, su nueva discográfica (Sony), se mostró interesada en el proyecto y de ahí que se rescatara del olvido. Dato curioso si tenemos en cuenta lo beligerante que el músico ha sido siempre con las discográficas, recordemos su lejana batalla con Philips, que retuvo durante un año su políticamente incorrecto 666 (1971), realizado junto a Aphrodite's Child, por problemas de censura, batalla que finalmente ganaría el griego aunque a costa de la disolución del grupo.

Pero volvamos sobre la quizá sorprendente decisión de recuperar la antigua Mythodia orquestándola (para lo que eligió al texano Blake Neely, con quien contactó a través de un amigo común, el conocido compositor de bandas sonoras Michael Kamen), y dejando como decimos, sus sintetizadores en un muy segundo plano. La explicación que en entrevistas da para ello es que el sonido de orquesta es más "generoso" y adecuado a este tipo de composición y sobre todo porque de esa manera se preserva la obra, que podría así ser interpretada en un futuro sin él presente. Aparte de esta importante novedad, se añade también un movimiento más (el 9), y se hacen algunos otros cambios menores en el resto de la composición. Además Sony, en el que iba a ser el primer trabajo del griego para la discográfica japonesa, tiró la casa por la ventana ya que patrocinó en parte un lujoso concierto que tendría lugar el 28 de junio de 2001 en el templo de Zeus Olímpico de Atenas, concierto que crearía una inmensa polémica por lo delicado de la ubicación y los enormes costes que supuso para el erario público (polémica en la que terciaron hasta el mismísimo Mikis Theodorakis, contrario al mismo y el ministro de cultura heleno defendiéndolo). Los días previos al concierto la prensa atacó duramente el proyecto pero finalmente Mythodea resultó un triunfo por su impecable factura y su majestuosa puesta en escena (doy fe de ello). El concierto sería meses después retransmitido por TV en bastantes países y recientemente ha salido un vídeo y un DVD, el primero que Vangelis edita, con un 'making of' de unos 20 minutos.

¿Y qué decir de la música? Mythodea podría definirse como un bello pero convencional pastiche de música clásica de los siglos XIX y XX (hay ecos del Gustav Holst de Los Planetas y el Carl Orff de Carmina Burana en los tramos más potentes, y del Debussy de La Mer en los más dulces), y nada más. No hay experimentación alguna, el objetivo parece ser simplemente hacer música hermosa y se consigue, que no es poco, pero posiblemente algunos fans esperaban más del vanguardista compositor. Quizá es que Vangelis ya está de vuelta de todo y lo único que le quedaba por hacer era esto, una obra íntegramente clásica, y de hecho al buen conocedor de la carrera del músico probablemente no le haya extrañado demasiado este nuevo trabajo.

Si echamos someramente la vista atrás nos encontraremos con que ya en 1972 realizó con la Orquesta de Luxemburgo una obra sinfónica inédita transcrita por los maestros al dictado de sus sintetizadores y veremos también cómo en su obra editada sus escarceos con la música clásica vienen igualmente de lejos. Así, en 1975 utilizó a la cantante de ópera Vana Veroutis en el álbum "Heaven And Hell" junto a celestiales coros y efectos orquestales, en una obra en la que sí se experimentaba con el mundo clásico haciéndole jugar con sonidos sintéticos en un extraordinario 'tour de force' que, pasando por Chariots Of Fire (1981), -escúchese su último corte-, llegaría a su máxima expresión en el ciclotímico Mask (1985), una verdadera batalla campal entre el mundo clásico y el electrónico. Después llegarían 1492 (1992), y El Greco (compuesto en 1995), donde, siguiendo la estela del equilibrado 'Chariots', los dos mundos dejan de contraponerse para fundirse en excelentes composiciones que, aun siendo claramente electrónicas, reflejan un espíritu clásico sin por ello olvidar una cierta vanguardia. El siguiente paso iba a ser reproducir a pies juntillas la música clásica con sintetizadores. Vangelis lo va haciendo progresivamente, (pondremos sólo algunos ejemplos), así, en la mini-ópera nunca editada Antigona (1991), de nuevo con la Hatziano, similar en planteamiento a Mythodia, en el 'remake' totalmente clásico que hace del famoso tema "Hymne" en el 91 (editado en el recopilatorio Portraits), o en parte de la música que compone para las ceremonias de las competiciones atléticas de la IAAF celebradas en Atenas en el 97 (el himno de la IAAF, compuesto por él y estrenado ese mismo año es una composición totalmente clásica, así como el tema "March With Me" compuesto para la ocasión y cantado por nuestra Montserrat Caballé y su hija, Montserrat Martí).

La máxima expresión de ese 'crossover' a la inversa serían las composiciones olímpicas que, de cara a los juegos de Atenas del 2004 (cuya dirección artística se le encomienda), ha venido realizando, concretamente la música para la presentación del emblema olímpico y la composición para la ceremonia de entrega de la bandera olímpica en Sydney 2000, ambas de nuevo, totalmente clásicas, de una originalidad nula y realizadas con sintetizador. El paso más lógico (y honesto), es ya recurrir a una orquesta de verdad para componer una obra, algo que tampoco es totalmente nuevo: ya en 1985, en la música que compone para el ballet Frankenstein: Modern Prometeus incorpora nada más y nada menos que un vals con orquesta incluida en mitad de una banda muy electrónica y vanguardista, y también es sabido, que en torno al 97 o quizá antes, Vangelis compuso de nuevo para Montserrat Caballé y Montserrat Martí una obra de formato similar a Mythodea (orquesta y coros), y temática ecológica de la que aún no se sabe fecha de edición. Y así es como llegamos a la obra que nos ocupa.

Obra arriesgada, que puede quedarse en mitad de ninguna parte al no llegar ni a los fans más electrónicos del griego ni a los más rancios amantes de la música clásica para los que Vangelis es aún demasiado "pop", Mythodea es una excitante incógnita a la que sin embargo nadie puede negar su buen puñado de momentos sublimes de intensa emotividad. Los fans más acérrimos la defienden diciendo que, aunque clásica, la música que se oye es tan 'vangelista' como la que más, ya que la implicación del músico en la misma ha sido total, hasta llegar a idear los sonidos que debían pronunciar las sopranos en cada momento (lo que cantan no responde a ningún idioma conocido). Para otros, en cambio, la indudable presencia del Vangelis compositor no compensa la ausencia del Vangelis intérprete.

Lo cierto es que Vangelis, aunque sigue publicando discos con bastante frecuencia, ya no alcanza el nivel musical exigible a un músico de su categoría, pero a pesar de esto, Vangelis no dejará de pasar a la historia de la música electrónica como uno de los clásicos de este ya pasado siglo XX y lo que esté por llegar en este XXI.

Menudo ladrillazo... ni el muro de Pink Floyd...

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Ya puestos sobre el personaje en cuestión con el que he dado inicio este off-topic, aquí tenéis el enlace a mi blog

http://neilparsons.blogspot.com/2008/03 ... -2008.html

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Bueno pues yo sigo con mis inefables cambios de estilo y esta vez no voy a sorprenderos con ningún artista minimalista tipo Chikilicuatre, sino con mi cada día más admirado Recoil, alter ego de Alan Wilder.

Y es que yo siempre he sido superfan, ultrafan y megafan de Depeche mode, pero desde que se fue Wilder la verdad es que no suenan como antes, y es curioso porque desde entonces quien suena como ellos es el propio Wilder :O

El último álbum (Subhuman) es alucinante, y algunas canciones como Prey o Allelujah son impresionantes (Prey tiene un toque increiblemente Depeche Mode, y samplea muy sibilinamente el principio de Dangerous, y Allelujah tiene el sample de las pipeflutes distorsionadas de In Your Room también de Depeche Mode que se muestra descaradísimamente), otros temas como The Killing Ground son tremendos.

Total, que de alguna manera he vuelto a descubrir el sonido que más me atraía de Depeche Mode (el de Violator, Music for the masses o Songs of faith and devotion) y os recomiendo que le deis una oportunidad incluso si, como yo, quedásteis decepcionados con su Hidrology o el 1+2.

Un poquito de Recoil pa vuestros oidos: http://www.youtube.com/watch?v=sh0wVApi ... re=related

Saludos.

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"The sore in my soul. The mark in my heart. Her acid reign."

Que cierto, pensé que era el único que creia eso, conozco gente que tambien les gusta DM, pero el cambio de los últimos años lo achacan sobre todo a que ya estan muy "pasados", para mi la marcha de Wilder es decisiva, los ultimos discos no estan tan bien cuidados como los anteriores, no tienen un sonido homogeneo. Y es verdad que en solitario Wilder suena cada vez más a DM.

Buenas!

Cuando he entrado en el hilo, pensaba que versaba sobre músicos de los 8-bits

Si tengo que mencionar a mi músico favorito, obviamente no podría ser otro que el gran Mike Oldfield.
Es, sobre todo, por motivos personales (lo que es la música, algo muy interior, subjetivo y agarrado a los recuerdos).
Pero hay vida más allá de Mister Mike, mucha vida: Genesis, Pink Floyd, Jarre, Van Der Graaf Generator, Uriah Heep, Camel ...
Estos entre los más conocidos, pero digamos que me englobo en el apartado de rock progresivo, donde hay verdaderas joyas de grupos desconocidos. Algunos ejemplo: Discipline, Pineapple Thief, Gazpacho, I Giganti, Transatlantic, Anglagard, Citizen Cain, Hypnos 69, Metaphor, Museo Rosenbach, Randone, Shakary, Ange, Guy Manning, ... Muchos se quedan en el tintero, pero con estos que he mencionado hay para alucinar musicalmente.

Aprovecho para mencionar a algunos de mis compositores favoritos del C-64: Rob Hubbard, Martin Galway, Ben Daglish, Mike Alsop, y, por supuesto, al malogrado Pablo Toledo.

Saludos progresivos!

PD: Incluiría también a Battiato, Vangelis.

Increible! Nos parecemos en cuanto a gustos musicales se refiere...

Tengo tantos discos de rock progresivo que tumbarían a más de uno.

Por cierto, ya que lo menciona Hergest, también podríamos hablar de nuestros músicos favoritos para los 8 y 16 bits. Yo me quedo sobre todo con los de Spectrum: David Whittaker, Tim Follin, Jonathan Dunn, Gominolas (cómo no) y hasta podría poner a Beyker.

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What shall we use
To fill the empty spaces
Where we used to talk?
How shall I fill
The final places?
How should I complete the wall...

La cosa es que en los principios Wilder escribió algunas canciones penosas para DM (como The Landscape Is Changing, que es para llorar de mala que es) y otras ligeramente mejores (como If You Want). Sin embargo por 1984 después del experimental Work Hard -que fue cara B y coescrita con Gore- no publicó nada más en DM, e inició su proyecto en solitario. Según parece el ego de Wilder es de dimensiones épicas y cuentan que es el motivo que le hizo desertar de DM, en el sentido de que es un tipo ultracentrado en la banda mientras que el carácter del resto de los componentes es más disperso. En cualquier caso, escuchar hoy a Wilder es escuchar el sonido de My Joy, Mercy In You, In Your Room, Walking In My Shoes y tantos y tantos temas que DM ha sacado, especialmente se nota la mano de Wilder desde Black Celebration (1986) a Songs Of Faith And Devotion (1993). Lo cierto es que sin él, el grupo perdió el norte y experimentos como Ultra o Exciter lo han demostrado. Quizás Playing The Angel se salva un poco más porque vuelven a apostar por un sonido más duro y menos melancólico pero la ausencia de Wilder hace mella y no consiguen tener la fuerza de antaño ni contando con productores como Tim Simenon.

Editado: me olvidaba de decir a quien pueda interesarle que cuenta la leyenda leyendosa que la canción Useless de Depeche Mode critica solapadamente -o no tan solapadamente- a Wilder dejando claro que el resto de la banda creía que su ego comenzaba a ser preocupante:
http://www.sing365.com/music/lyric.nsf/ ... B700396072

Bueno, aquí acabo el rollo jejeje... Perrea perrea!

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"The sore in my soul. The mark in my heart. Her acid reign."

Po a mí me gusta

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http://www.mojontwins.com

Y a mí, no me fascina pero no está mal; en cualquier caso hay que reconocer que se estaban buscando y no se encontraban...

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"The sore in my soul. The mark in my heart. Her acid reign."

En Black celebration se nota mucho ,en algún sitio debo tener unos mp3 con varias versiones demo de Black celebration, y hay una versión que aun siendo una demo a un solo sintetizador, (y que creo que está cantada por e)l, aprecias perfectamente lo detallista que es y como es casi identica al resultado final.
En fin, esa etapa que has dicho es la mejor, sobretodo Black Celebration y Music for the masses son dos discos que no solo a nivel de temas, sinó de producción, no me los imagino de otra manera.

En 101 (el vídeo) se puede ver a Wilder mostrando su pericia, tocando los sintes de Black Celebration (base + arreglos) como quien come palomitas... sus arreglos de piano también son espectaculares (no hablo de Condemnation que es la comercialidad total, pero sí de los arreglos del directo para Death's door -nada que ver con la versión de estudio- o de la Sonata 14 in Cm...).

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